Hora do Massacre tenta se estabelecer como um novo marco no gênero do terror, mas falha miseravelmente ao se limitar a uma fórmula saturada e previsível. Desde o roteiro até a direção e as atuações, o filme é um exercício tedioso de clichês que não oferece nada de novo aos espectadores.
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Os acertos e erros de Hora do Massacre
A história gira em torno de um grupo de jovens ativistas que decide fazer um protesto ambiental vandalizando uma grande loja de móveis. No entanto, o plano sai dos trilhos quando eles ficam presos no local e precisam lidar com um segurança perturbado que tem uma obsessão macabra pela caça e busca vingança do grupo.
O roteiro de “Hora do Massacre” é uma coleção de lugares-comuns do terror. Personagens unidimensionais, diálogos forçados e previsíveis, além de uma falta total de originalidade, fazem com que a narrativa se arraste de uma cena clichê para outra. O suspense é construído de maneira artificial, com sustos baratos e previsíveis que mais irritam do que aterrorizam. A falta de desenvolvimento dos personagens impede qualquer empatia ou conexão emocional, tornando difícil se importar com seus destinos.
A direção do longa também deixa a desejar. As tentativas de criar um ambiente assustador são arruinadas pela falta de criatividade nas escolhas visuais e pelo uso excessivo de efeitos especiais de baixa qualidade. As atuações, por sua vez, são apáticas e desinteressadas, como se os próprios atores não acreditassem na história que estão contando. Isso resulta em performances que variam do medíocre ao ridículo, contribuindo para a sensação geral de que o filme é uma perda de tempo.
A trama, já saturada, é previsível do início ao fim. Não há reviravoltas surpreendentes, e os poucos momentos que tentam subverter expectativas acabam sendo ineficazes e anticlimáticos. A ausência de uma narrativa coerente e envolvente faz com que o filme se torne uma sucessão entediante de cenas desconexas, sem ritmo ou propósito claro.
Veredito
Em resumo, “Hora do Massacre” é um filme genérico que não consegue se destacar em nenhum aspecto. Com um roteiro fraco, direção pouco inspirada e atuações desinteressadas, ele se junta à longa lista de produções esquecíveis do gênero. Se você está procurando por um filme de terror realmente envolvente e assustador, é melhor procurar em outro lugar.
A renovação dos ciclos de Hollywood atingiu com força os clássicos dos anos 1990, e era inevitável que isso envolvesse um dos maiores filmes de aventura daquela década. Quando Twister estreou em 1996, rapidamente se tornou o “filme de verão” americano, conquistando também a televisão posteriormente.
A combinação de filme de catástrofe com ação, que capturava a energia de obras como Jurassic Park, parecia a fórmula perfeita para atrair fãs. Agora, quase 30 anos depois, a franquia recebe um novo e moderno capítulo, igualmente divertido e ainda mais frenético do que se poderia imaginar. Twisters (agora com um “s”) traz de volta o mesmo clima tempestuoso do original, brinca com suas possibilidades na era dos efeitos especiais de ponta, mas sabe que precisa desenvolver melhor seus personagens para compensar a falta de história.
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Os acertos e erros de Twisters
Convenhamos, o filme original tem um enredo praticamente inexistente. O roteiro simplista mal desenvolve os personagens e foca exclusivamente nas cenas de ação para exibir a tecnologia dos anos 90. Hoje, isso não é suficiente – apesar da abundância de filmes nesse estilo, como os da Marvel – e é necessário equilibrar a aventura com um drama emocional que crie uma conexão com essa história americana típica e até enfadonha.
Nesse aspecto, Twisters faz um excelente trabalho. O filme traz jovens atores em papéis divertidos e emocionantes, justificando a obsessão pelo perigo. Embora não apresente uma trama extremamente elaborada, há mais substância por trás das épicas sequências de ação, agora com tornados maiores e gêmeos. Afinal, se é para fazer um novo filme, que seja maior.
A trama acompanha Kate Cooper, interpretada pela talentosa Daisy Edgar-Jones, uma ex-caçadora de tempestades assombrada por um encontro devastador com um tornado durante seus anos de faculdade. Agora, ela estuda padrões de tempestades com segurança em Nova York. Porém, ela é atraída de volta às planícies abertas por seu amigo Javi (interpretado pelo indicado ao Globo de Ouro Anthony Ramos) para testar um novo sistema de rastreamento inovador.
Lá, ela encontra Tyler Owens (Glen Powell), o charmoso e imprudente superstar das mídias sociais que se destaca postando suas aventuras de caça a tempestades com sua equipe barulhenta, quanto mais perigosas, melhor.
À medida que a temporada de tempestades se intensifica, fenômenos aterrorizantes nunca antes vistos são desencadeados. Kate, Tyler e suas equipes rivais se encontram no caminho de vários sistemas de tempestades convergindo sobre o centro de Oklahoma, lutando por suas vidas.
O charme de Powell e o olhar doce de Edgar-Jones criam uma combinação perfeita, replicando a dinâmica divertida de Helen Hunt e do falecido Bill Paxton no filme de 1996. As faíscas entre eles acrescentam profundidade, indo além de um simples romance em meio a uma enxurrada de clichês.
Felizmente, o filme funciona de forma independente, quase sem nenhuma conexão com o original, apesar de se passar no mesmo universo, o que o torna quase um remake. A trama segue os mesmos pontos do clássico, com a mesma dinâmica dos personagens e da narrativa, mas trazendo essa premissa para um contexto mais moderno, com drones, computadores de alta tecnologia e um CGI de qualidade.
No entanto, o diretor em ascensão Lee Isaac Chung (Minari) corrige as fragilidades da agora franquia, infundindo mais emoção genuína no contexto com seu olhar aguçado. Apesar da duração exagerada para uma trama simples, o filme mantém o espectador envolvido até um clímax absolutamente deslumbrante, que até faz uma metalinguagem com uma sala de cinema.
Veredito
Sem vaca voando, mas com o charme de Glen Powell, Twisters tem todos os ingredientes de um sucesso de bilheteria: emoção genuína, aventura desenfreada e diversão sem culpa.
Esta sequência, que é quase um remake, replica a fórmula do original sem hesitar, mas adiciona mais história, drama emocional e uma trilha sonora épica e belíssima. À medida que o perigo aumenta, somos mantidos na ponta da poltrona, culminando em um clímax espetacular, com tudo que o cinema blockbuster pode oferecer. Para a alegria dos fãs do filme de 1996, esta sequência mantém o nível e carrega a herança do clássico em cada rajada de vento, provando mais uma vez como é difícil fazer um filme duradouro.
O cinema tem se tornado, infelizmente, um acessório de luxo, e Twisters é um daqueles eventos que devem ser vistos na maior tela possível, com a melhor qualidade de som e imagem, para realmente nos cativar. Apesar de alguns problemas de ritmo e das tempestades e sequências de ação serem infinitamente mais envolventes do que os diálogos entre o casal, este é um filme bombástico que atende às nossas expectativas.
A Marvel Studios compartilhou o teaser trailer e o pôster de Capitão América: Admirável Mundo Novo, apresentando Anthony Mackie como o Capitão América. O Falcão, interpretado por Mackie em filmes anteriores do MCU, assumiu oficialmente o manto do Capitão América no final deFalcão e o Soldado Invernal, no Disney+ em 2021.
Confira:
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Sobre Capitão América: Admirável Mundo Novo
Após se encontrar com o recém-eleito presidente dos EUA, Thaddeus Ross, interpretado por Harrison Ford em sua estreia no Universo Cinematográfico Marvel, Sam se vê no meio de um incidente internacional. Ele deve descobrir o motivo por trás de uma conspiração global nefasta antes que o verdadeiro gênio faça o mundo inteiro ser dominado pelo vermelho.
Capitão América: Admirável Mundo Novoé estrelado por Anthony Mackie, Danny Ramirez, Shira Haas, Xosha Roquemore, Carl Lumbly, com Giancarlo Esposito, Liv Tyler, Tim Blake Nelson e Harrison Ford. O longa-metragem tem direção de Julius Onah e produção de Kevin Feige e Nate Moore. Louis D’Esposito e Charles Newirth atuam como produtores executivos.
Capitão América: Admirável Mundo Novo, da Marvel Studios, estreia nos cinemas em 13 de fevereiro de 2025.
Acaba de ser divulgada a classificação indicativa de LONGLEGS – VÍNCULO MORTAL (Longlegs), distribuído pela Diamond Films e com direção de Oz Perkins. O filme acompanha um serial killer aterrorizante e violento, interpretado por Nicolas Cage, e não é recomendado para menores de 18 anos.
LONGLEGS – VÍNCULO MORTAL estreia nos cinemas de todo o Brasil em 29 de agosto e já é considerado o filme mais perturbador do ano. Um dos grandes destaques do longa é a atuação do vencedor do Oscar® Nicolas Cage, que na pele do personagem-título entrega uma performance de tirar o fôlego.
No terror, a agente do FBI Lee Harker (Maika Monroe) é designada para um caso envolvendo um serial killer impiedoso que se auto-intitula LONGLEGS (Nicolas Cage). O assassino costuma deixar pistas com símbolos nas cenas do crime que apenas a agente é capaz de decifrar. A investigação toma rumos inesperados, enquanto Harker descobre uma conexão macabra com o assassino.
Contando com uma atmosfera sombria e um enredo perturbador, aliados à direção de fotografia e trilha sonora sinistras, LONGLEGS – VÍNCULO MORTAL é uma experiência que merece ser vivida na tela grande.
Embora a série da Netflix ‘Gangues da Galícia‘, não forneça um relato biográfico da vida do traficante espanhol Manuel Charlín Gama, ela ainda obtém inspiração significativa do mesmo. Notavelmente, sua famosa rivalidade com um traidor de seu círculo íntimo e a especulação sobre a morte deste último se tornam o alimento para a premissa inspirada na vida real do programa.
Portanto, por meio de certos aspectos do antagonista central, José Padin, e sua família criminosa operando na pitoresca cidadezinha de Cambados, o programa sutilmente faz alusão ao chefão do tráfico da vida real e sua infame rede, Los Charlines.
Consequentemente, a versão ficcional de Charlín está fadada a incitar a curiosidade sobre o homem real, sua vida e o paradeiro atual de seu clã, notoriamente composto por seus próprios familiares.
O homem que inspirou “Gangues da Galícia”
Manuel Charlín Gama ganhou destaque nos anos 70
Manuel Charlín Gama incursionou no mundo ilegal do contrabando com seu irmão, José Luis, quando a dupla começou a contrabandear tabaco para a Espanha através da região portuária da Galícia durante os anos 70. Embora, na época, o contrabando já tivesse uma história lucrativa na área, os irmãos conseguiram criar um significado para si mesmos no mercado e comandaram a maior operação de tabaco espanhola de seu tempo.
Naturalmente, seus negócios também se voltaram para o contrabando de haxixe e cocaína quando as oportunidades se apresentaram. Como tal, seu clã — que já ostentava uma estrutura pseudo-máfia, madura com o envolvimento de vários outros membros da família Charlín — passou a ser conhecido como Los Charlines.
Manuel Charlín Gama//Crédito da imagem: EL PAÍS/Youtube
Na década de 1980, Los Charlines tinham mais do que se estabelecido como uma engrenagem crucial na criminalidade galega, com Charlín sofrendo vários problemas com a lei. No entanto, apesar de suas inúmeras experiências com prisão ao longo da década, o homem continuou retornando a uma vida de crime.
De acordo com o The Guardian, o chefão das drogas confessou uma vez que era “incapaz de viver dentro da lei”. No entanto, Charlín enfrentou uma separação prolongada do centro dos crimes na década de 1990 com o lançamento da investigação policial dedicada, Operación Nécora, criada para acabar com as redes de tráfico de drogas galegas.
Embora Charlín tenha sido absolvido após sua prisão inicial, as autoridades eventualmente conseguiram obter o testemunho contra ele de Manuel Baúlo, um membro de sua própria família criminosa. Eventualmente, Baúlo se viu vítima de assassinos colombianos que o mataram no mesmo ano em que ele se voltou contra seu chefe.
Devido à conexão do traficante galego com criminosos colombianos por meio de seus negócios, bem como ao momento do assassinato, muitos acreditam que Charlín tenha conexões com o assassinato. Ainda assim, nem ele nem ninguém de sua família foram condenados pelo crime. No final, a polícia usou o testemunho de Baúlo para prender Charlín, resultando em sentenças de prisão de décadas para o homem.
O retorno de Charlín ao crime na década de 2010
Após sua prisão sob a Operação Nécora, Charlín coletou algumas outras condenações e acabou passando 20 anos na prisão. Em sua ausência, sua família manteve os laços de Los Charlines com a criminalidade por meio de vários supostos esquemas de tráfico de drogas e lavagem de dinheiro.
Os vários empreendimentos comerciais do chefe, como investimentos imobiliários, cozinheiros de frutos do mar, fábricas de conservas e mexilhões, foram passados para seus vários herdeiros. Ainda assim, a família sofreu com sua ausência, pois as autoridades começaram a apreender seus bens ao longo de uma série de operações.
Eventualmente, em 2010, Charlín foi libertado da prisão e integrado de volta à sociedade. Embora muitos esperassem que seu patriarca de 78 anos permanecesse aposentado após sua libertação da prisão, não foi este o caso.
Manuel Charlín Gama//Crédito da imagem: Alfândega-Patrulha de Fronteira-Guarda Costeira/YouTube
Em abril de 2018, Charlín teve alguns problemas depois que dois ladrões encapuzados atacaram ele e seu filho, Melchor, em sua casa, deixando os dois espancados. Meses depois, em agosto, a dupla pai e filho virou manchete depois que a polícia rastreou um carregamento de 2,4 toneladas de cocaína nos Açores até a dupla pai e filho. Assim, aos 85 anos, Charlín mais uma vez viu uma prisão ao lado de vários membros de sua família que estavam envolvidos no esquema de contrabando da velha escola. No entanto, ele foi libertado da prisão logo depois.
Charlín faleceu em 2021
Perto do fim de sua vida, em seus 80 anos, a influência de Charlín sobre os negócios criminosos começou a diminuir. Naquela época, ele estava morando em Vilanova de Arousa, ou Pontevedra, na Galícia — sua cidade natal, onde dizem que ele viveu uma vida rotineira. Na rotina de sua vida, altercações periódicas com a polícia continuaram sendo uma adição consistente. No entanto, o fim de seus dias chegou sem qualquer envolvimento de seus laços criminosos.
Em 31 de dezembro de 2021 — véspera de Ano Novo — Charlín visitou um pub local onde era frequentador. Conforme relatos, ao retornar do estabelecimento, ele sofreu uma parada cardíaca fatal e faleceu no mesmo dia. Assim, aos 89 anos, Charlín morreu, deixando a reputação criminosa bem estabelecida de sua família nas mãos de seus filhos e netos.
Os herdeiros de Charlín viram a absolvição recente em um caso de lavagem de dinheiro
Em 2008, as autoridades lançaram a Operação Repesca, que investigou e expôs o suposto envolvimento geracional de Los Charlines em lavagem de dinheiro. Embora tenha levado 13 anos, em 2023, o caso contra a família foi finalmente levado a julgamento.
Naquela época, três dos acusados Charlíns já haviam morrido — incluindo Josefa Pomares, a esposa do patriarca que morreu em 2012, e Manuel, seu filho que faleceu em 2019. Ainda assim, vários outros membros da família, seus filhos, María Josefa, María Teresa, Francisco Melchor e Óscar Felipe Charlín Pomares, e dois netos, Noemí Outón Charlín e Natalia Somoza Charlín — tornaram-se parte do julgamento.
No julgamento, o Tribunal Nacional avaliou o envolvimento deles em esquemas de lavagem de dinheiro com dinheiro do tráfico de drogas. Como o próprio Manuel Charlín Gama era considerado o cérebro por trás das atividades ilegais da família — do tráfico de drogas à lavagem de dinheiro — muitos acreditavam que sua morte enfraqueceu as chances de condenação de seus herdeiros.
Por outro lado, alguns dos acusados, como Josefa e Óscar Charlín, já tinham vínculos com lavagem de dinheiro em sentenças judiciais anteriores. No entanto, em 2023, o Tribunal Nacional acabou absolvendo todos os acusados Charlíns, dois advogados e um empresário.
A absolvição foi recebida com uma reação pública significativa, pois a reputação existente da família Charlín entrou em choque com a decisão do Tribunal Nacional. Portanto, em junho de 2024, o Gabinete do Promotor Especial Antidrogas preparou um recurso contra a absolvição, contestando a conclusão anterior de “inexistência de provas”. No final das contas, parece que os Charlíns continuam a permanecer nas notícias devido às suas conexões de longa data com a criminalidade.
O Paramount+ acaba de anunciar que Kerrice Brooks (My Old Ass), Bella Shepard (Wolf Pack) e George Hawkins (Tell Me Everything) vão integrar o elenco da série original STAR TREK: STARFLEET ACADEMY.
A série seguirá as aventuras de uma nova geração de cadetes da Frota Estelar à medida que atingem a maioridade em um dos lugares mais lendários da galáxia. Produzida pela CBS Studios, a nova série entra em produção em breve.
Brooks, Shepard e Hawkins se juntam aos outros atores do elenco anunciados anteriormente, Holly Hunter como capitã e chanceler da Academia da Frota Estelar e Paul Giamatti como o vilão da temporada.
STAR TREK: STARFLEET ACADEMY segue um grupo de jovens cadetes que se juntam para perseguir um sonho em comum de esperança e otimismo. Sob o olhar atento e exigente de seus instrutores, eles descobrem o que é preciso para se tornarem oficiais da Frota Estelar enquanto navegam em amizades fluorescentes, rivalidades explosivas, primeiros amores e um novo inimigo que ameaça tanto a Academia, quanto a própria Federação.
Brooks, atriz e dançarina profissional, fará sua estreia no cinema este ano em My Old Ass, produzido por Margot Robbie e dirigido por Megan Park. Ela também estrelará a comédia dos anos 70, Feeling Randy. As participações de Brooks no audiovisual incluem A Festa de Formatura, The Cypher, How We Roll e On My Block. Brooks começou na indústria do entretenimento como dançarina profissional atuando com artistas de elite como Billie Eilish, Kanye West, Lil’ Nas, Kelly Rowland e muitos mais.
Shepard, recentemente, integrou o elenco da série do Paramount+, Wolf Pack,e é conhecida por suas séries anteriores, On the Ropes e A Girl Named Jo, e como protagonista da série, Two Sides. Shepard também apareceu em The Wilds, Witch Hunt do iCARLY. Ela também teve papel especial na temporada final de Orange Is the New Black, além de papéis em Life in Pieces e Grace and Frankie.
Hawkins é conhecido por interpretar Dylan em Tell Me Everything. As participações de Dylan no audiovisual incluem Sean no filme indicado ao BAFTA Boiling Point e Adam no longa-metragem Gassed Up. Em 2023, Hawkins se formou na Mountview Academy of Theatre Arts de Londres.
Alex Kurtzman e Noga Landau são co-diretores e produtores executivos da série ao lado dos produtores executivos Gaia Violo, Aaron Baiers, Olatunde Osunsanmi, Jenny Lumet, Rod Roddenberry, Trevor Roth, Frank Siracusa e John Weber. O episódio de estreia da série foi escrito por Gaia Violo. STAR TREK: STARFLEET ACADEMYé produzido pela CBS Studios em associação com Secret Hideout e Roddenberry Entertainment. A série é distribuída pela Paramount Global Content Distribution.
Se você ainda não é assinante do Paramount +, pode assinar clicando aqui.
Dirigido por Marcos Carnevale, ‘Goyo‘ nos apresenta o guia titular do museu enquanto ele vive sua vida dia a dia estruturada na vibrante cidade de Buenos Aires. Tendo Asperger, Goyo acha difícil se socializar e é fascinado pelo trabalho de Vincent van Gogh. Sua vida vira de cabeça para baixo quando ele começa a se apaixonar pela nova segurança do museu, Eva, que se afeiçoa a ele, mas é contida por uma tragédia romântica em seu passado. Juntos, os dois embarcam em uma jornada de aceitação e autodescoberta, ficando confortáveis em serem eles mesmos perto um do outro.
O filme romântico da Netflix narra uma história comovente de afirmação e se aprofunda nas complexidades da neurodivergência.
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Goyo é um conto que explora a sensibilidade e a inclusão no amor
A história única de ‘Goyo’ vem da mente de Marcos Carnevale, que é o escritor e diretor do filme. Embora o filme possa ser fictício, ele é escrito com a contribuição de especialistas e um desejo de representar pessoas no espectro autenticamente.
Carnevale busca contar uma história que destaca mais do que diferenças e foca na inclusão e diversidade que os relacionamentos podem refletir. Ambos os personagens estão presos em seus caminhos e seguindo por um caminho aparentemente solitário, mas encontram uma ternura crescente quando estão juntos. As fixações de Goyo e as apreensões de Eve dão lugar a uma nova abordagem ao amor.
“O não convencional é o denominador comum em todos os meus filmes”, explicou Carnevale em uma entrevista. “É meu olhar sobre a vida trazido ao cinema, para iluminar o que – eu acredito – não estamos vendo, embora seja visível. Em Goyo, em particular, escolhi o tema do autismo porque é a visão mais objetiva e imparcial que conheço. Goyo é uma pessoa com Asperger que vê você e aceita você como você é, sem filtro, honestamente.”
Quando se tratou de retratar Goyo como estando no espectro, o cineasta tomou medidas substanciais para escrevê-lo de uma forma que refletisse a realidade das pessoas com Asperger.
A Síndrome de Asperger é considerada uma forma de Transtorno do Espectro Autista (TEA) com maior funcionamento. É comumente caracterizada por padrões comportamentais repetitivos, dificuldade em se relacionar com os outros socialmente e uma gama focada de interesses.
Podemos observar muitas das características de alguém com Asperger em Goyo, como ser altamente organizado, não muito social e intensamente interessado em Van Gogh e arte. No entanto, é importante notar que Asperger não é considerado um diagnóstico independente e foi mesclado com o TEA.
Goyo teve consultoria de ONGs que lidam com TEA
Quando se tratou de retratar as complexidades do TEA no filme, Carnevale recebeu ajuda, conselho e endosso de vários grupos e fundações que se preocupam com indivíduos no espectro. Entre eles, a Federação Esportiva Argentina para pessoas com deficiência intelectual, a Asociación Liga Asperger 7, a Panaacea e a Fundación Discar.
Entre essas fundações, em grande parte sediadas em Buenos Aires, a Fundación Discar é uma coleção de profissionais e artistas que trabalham com jovens com deficiência intelectual para integrá-los à sociedade argentina.
Sobre seu trabalho no filme, a organização foi ao Instagram e escreveu: “A Fundação DISCAR forneceu conselhos sobre o tópico e, para continuar com nosso compromisso de continuar promovendo a inclusão, a presença de ex-alunos da fundação pode ser vista em algumas das cenas”.
Carnevale é conhecido por abordar tópicos tão diversos e sub-representados em seus filmes com empatia e cuidado. Seu terceiro filme como diretor, ‘Elsa e Fred’, lançado em 2005, acompanha um casal de idosos decidindo aproveitar ao máximo o pouco tempo que lhes restava, descobrindo uma nova visão de mundo por meio de uma nova imprudência.
Seu filme de 2013, ‘Lion’s Heart’, explora comicamente o romance e suas dificuldades da perspectiva de uma pessoa muito baixa. O filme de 2016 do cineasta, ‘Inseparáveis’, gira em torno de um rico empresário que fica tetraplégico devido a um acidente. Quando se trata de selecionar um zelador, ele rejeita profissionais em favor de contratar seu jardineiro, iniciando uma jornada inesperada e saudável de companheirismo.
‘Goyo’ destaca o poder transformador da aceitação incondicional, compreensão e amor na formação de vínculos. Através das lentes sensíveis de Carnevale, ele mostra o profundo impacto de abraçar as diferenças e encontrar um ponto em comum, enfatizando a importância da inclusão e as diversas formas que o amor pode assumir.
Apesar de ser uma história fictícia, o filme da Netflix é voltado para uma representação autêntica do TEA, que foi alcançada com a ajuda de organizações especializadas que trabalham para ajudar tais indivíduos na sociedade argentina.
Como Vender a Lua (Fly Me to the Moon) poderia facilmente cair na categoria das comédias românticas água com açúcar, não fosse pelo abismo de carisma de seus protagonistas, Scarlett Johansson e Channing Tatum, que brilham juntos em cena. Além disso, o filme se destaca ao abraçar de forma leve algumas teorias conspiratórias sobre o pouso na Lua, sem perder o tom divertido.
Com uma pitada de humor afiado, a narrativa até mesmo brinca com a ideia, aproveitando o fascínio público sobre a Apollo 11 e as teorias de que tudo não passou de um elaborado projeto cinematográfico, supostamente dirigido pelo falecido Stanley Kubrick em 1969. Esta comédia fresca de Hollywood acerta ao não se levar muito a sério, e transforma os absurdos dos conspiracionistas em fonte de entretenimento de qualidade.
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Os acertos e erros de Como Vender a Lua
É um prazer quando um roteiro simples não subestima nossa inteligência nem agride nossos olhos. Esta comédia romântica se passa durante a agitada corrida espacial, um contexto que não apenas enriquece a produção com um apelo visual marcante, mas também captura a atmosfera rebelde dos anos 60, que se harmoniza com a protagonista, a ousada Kelly Jones (interpretada por Scarlett Johansson), uma especialista em marketing contratada para revitalizar a imagem pública da NASA e transformá-la em um ícone consumista do capitalismo americano.
No entanto, seu objetivo não é bem recebido por Cole Davis (Channing Tatum), diretor de lançamento da Apollo 11, que se opõe veementemente. As centelhas entre eles, contudo, incendeiam uma dinâmica irresistível de amor e conflito.
Surpreendentemente não óbvia, essa interação revela camadas profundas e ideologias divergentes, evocando um cenário quase reminiscente de Orgulho e Preconceito na era espacial. Não é uma “guerra dos sexos”, mas sim, uma luta sobre valores divergentes.
Com sua comédia afiada, romance bem construído e personagens cativantes, o filme peca apenas por não saber quando encerrar. A duração estendida além do necessário transforma o animado em tedioso e redundante. Greg Berlanti, diretor de Com Amor, Simon, captura a energia de um grande estúdio e domina o orçamento com maestria, seja na caracterização dos personagens ou na criação deste mundo nostálgico de uma época distante.
Além das questões feministas, o roteiro também aborda o sexismo da época, destacando que reunir dez homens numa sala não garante a criatividade e o empenho de vendas de Jones. E que personagem divertida e jovial Scarlett Johansson entrega, cujo brilho eclipsa todos ao seu redor, muito mais eficaz do que seu papel frio na Marvel Studios.
Como o título nacional sugere, o filme explora as dinâmicas de marketing em Hollywood e no governo, que vendem uma ideologia ilusória mais atraente do que a realidade vazia subjacente. O objetivo é produzir um filme de alta qualidade (para a época) sobre o pouso da Apollo 11 na lua, um plano B, independentemente do desfecho da missão — afinal, há muito dinheiro, marcas famosas e políticos envolvidos para permitir qualquer fracasso. E se há alguém que sabe vender um sonho, são os EUA.
É claro que o filme é uma ficção baseada em fatos reais, e muito dessa narrativa pode ter sido inventado ou nunca confirmado. A beleza do roteiro reside na imaginação de uma realidade plausível. A comédia é impulsionada por reviravoltas e revelações que chegam até tarde na trama, mas ainda assim são cativantes. Contudo, o verdadeiro charme do filme reside mesmo é na dinâmica entre sua dupla principal de astros e seus conflitos — sem eles, pouco teria funcionado tão brilhantemente bem.
Veredito
Como Vender A Lua é uma comédia romântica com um toque especial, inspirada e que transcende o convencional do gênero, graças ao carisma irresistível de seus protagonistas. Embora o roteiro simples não nos leve à lua e de volta, proporciona uma viagem deliciosamente divertida, repleta de teorias conspiratórias e uma fusão perfeita entre cinema e marketing. Scarlett Johansson e Channing Tatum têm uma química tão intensa que parece mágica. Uma deliciosa nostalgia tanto para os românticos quanto para os estudiosos de publicidade.
O Apple TV+ divulgou a data de estreia da segunda temporada da série de suspense vencedora do Emmy “Ruptura” (“Severance”), além de um clipe inédito com o que o público pode esperar da aguardada nova temporada.
Com direção e produção executiva de Ben Stiller (“A Vida Secreta de Walter Mitty”, “Uma Noite no Museu”) e criação, roteiro e produção executiva de Dan Erickson (“Chambers”), a segunda temporada de “Ruptura“, composta de dez episódios, terá estreia mundial, no Apple TV+, na sexta-feira, 17 de janeiro de 2025, seguida de um episódio semanal todas as sextas-feiras até 21 de março.
Confira o clipe abaixo:
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Sobre Ruptura
Em “Ruptura”, Mark Scout (Adam Scott) lidera uma equipe na Lumon, empresa onde os funcionários são submetidos a um procedimento que divide suas lembranças de modo cirúrgico entre seu trabalho e sua vida. Esta ousada experiência de “equilíbrio trabalho-vida” é posta em questão quando Mark encontra-se no centro de um mistério que o forçará a enfrentar a verdadeira natureza de seu trabalho… e a sua própria. Na segunda temporada, Mark e seus amigos descobrem as terríveis consequências de mexer com a barreira de ruptura, levando-os a um caminho de ainda mais sofrimento.
A segunda temporada reúne o elenco de estrelas, que inclui o indicado ao Emmy Adam Scott (“Parks and Recreation”), Britt Lower (“Jovem Solteiro à Procura”), Tramell Tillman (“Missão: Impossível 8”), Zach Cherry (“Shang-Chi e a Lenda dos Dez Anéis”), Jen Tullock (“Spirited: Um Conto Natalino”), Michael Chernus (“Gêmeas: Mórbida Semelhança”), Dichen Lachman (“Jurassic World Domínio”), o vencedor do Emmy John Turturro (“Barton Fink – Delírios de Hollywood”), o vencedor do Oscar Christopher Walken (“Duna: Parte 2”) e a vencedora do Oscar e do Emmy Patricia Arquette (“Boyhood – Da Infância à Juventude”), além de dar as boas-vindas à mais uma atriz no elenco, Sarah Bock (“Valentes”).
“Ruptura” tem produção executiva de Ben Stiller, que também dirige cinco episódios da nova temporada, além dos diretores Uta Bresiewitz, Sam Donovan e Jessica Lee Gagné. A série tem roteiro, criação e produção executiva de Dan Erickson. A segunda temporada de “Ruptura” tem produção executiva de John Lesher, Jackie Cohn, Mark Friedman, Beau Willimon, Jordan Tappis, Sam Donovan, Caroline Baron, Richard Schwartz e Nicholas Weinstock. Além de estrelar a série, Adam Scott e Patricia Arquette também assinam como produtores executivos. O estúdio é o Fifth Season.
A série foi bem recebida mundialmente pelos fãs e pela crítica. Escolhida como vencedora do AFI Awards (American Film Institute), “Ruptura” recebeu 14 indicações ao Emmy, incluindo Melhor Série Dramática, Melhor Direção de Drama (Ben Stiller), Melhor Ator de Drama (Adam Scott) e Melhor Roteiro de Drama. A série conquistou os prêmios de Melhor Composição Musical para Série e Melhor Design de Abertura. A série xxxtambém venceu dois prêmios do Writers Guild of America, de Melhor Série e Melhor Série de Drama, além de duas indicações do Screen Actors Guild e uma indicação do Producers Guild e do Directors Guild Awards.
A primeira temporada completa de “Ruptura” está disponível no Apple TV+.
Quando a assistente pessoal de um ator narcisista descobre o caso romântico de seu chefe com sua mãe, ela enfrenta a difícil escolha de terminar o relacionamento ou deixar que ele siga seu curso na comédia da Netflix, Tudo em Família (‘A Family Affair’).
No longa dirigido por Richard LaGravenese, Zara Ford fica chocada ao descobrir um relacionamento entre sua mãe, Brooke Harwood, e seu chefe ator, Chris Cole. Privada de todos os seus segredos obscuros e travessos como um homem que brinca com o coração das mulheres, ela tem que seguir a linha entre permitir que eles tenham privacidade ou impedir as coisas antes que sua mãe se machuque.
‘Tudo em Família‘ inverte o roteiro da narrativa romântica bem versada, onde inimigos se tornam amantes ao colocar Zara em oposição direta ao seu chefe, Chris, mas não tenta estabelecer um relacionamento entre os dois. Em vez disso, em uma nova abordagem, a mãe da protagonista em ascensão está envolvida em uma união secreta com o chefe de sua filha. Por meio de trocas bem-humoradas e espirituosas entre Zara e Chris, o espectador é levado a um mundo elevado, onde as normas são desafiadas de maneiras inesperadas, provocando questionamentos sobre as situações apresentadas e se o filme é baseado em uma história real.
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Tudo em Família explora a perspectiva de uma jovem de 24 anos que não está procurando por amor
Em uma reviravolta de eventos, a narrativa centrada no romance de ‘Tudo em Família’ é um conto fictício sobre uma mulher que não está interessada ou desesperada para encontrar um companheiro romântico. O filme foi escrito por Carrie Solomon quando ela tinha 24 anos, o que lhe deu uma visão ao esboçar o personagem de sua protagonista, Zara.
Em uma entrevista, o diretor Richard LaGravanese falou sobre sua impressão da escritora: “Eu claramente não sou um millennial, e ela [Carrier Solomon] entendeu e me mostrou algo que eu não entendia sobre o ponto de vista da personagem. Ela foi realmente inflexível sobre a personagem não ter nenhuma ideia romântica, de namorado ou masculina.”
Crédito da imagem: Tina Rowden/Netflix
De acordo com Solomon, o ponto principal da narrativa é dar um zoom em Zara e seus esforços para encontrar seu lugar no mundo. Isso ressoou com as próprias experiências de vida da escritora. Apesar da presença de seu chefe egocêntrico, Chris, que teve muitas incursões românticas com outras mulheres, Zara não tem nenhum interesse nele.
Adicionando esse tema, Joey King, que interpreta Zara, disse à Netflix Tudum: “Todo o roteiro começou como um exercício de tentar escrever uma história sobre uma garota na casa dos 20 anos que não girasse em torno de sua própria vida amorosa. Eu realmente queria contar a história de uma garota presa no meio de uma situação pessoal horrenda que não tinha nada a ver com sua própria vida sexual, o que eu acho que é algo que não vemos com frequência em mulheres na casa dos 20 anos na tela.”
Em vez de focar na vida amorosa da mulher, ‘Tudo em Família’ mantém sua atenção nas relações interpessoais entre mãe e filha, assistente e chefe, e o vínculo com Eugenie, amiga íntima de Zara. King estava entusiasmada em explorar essas partes da narrativa, incluindo o impulso da protagonista de seguir sua carreira em vez de casamento ou namorados. Apesar do tom alegre, também traz à tona os diferentes aspectos de ser mulher, incluindo o desafio de equilibrar amor, profissão e cuidar dos pais. É um desafio para Zara conciliar todas as suas prioridades enquanto mantém uma grande base de apoio ao seu redor.
Liza Koshy, que interpreta Eugenie, elaborou o cenário de Zara testemunhando sua mãe e chefe namorando. “Para uma jovem se separar do papel de filha e ver sua mãe como uma mulher completa e permitir que ela aproveite seus desejos femininos é difícil”, ela disse. “Este é um exemplo tão bom e amoroso de como as conversas podem parecer na sua própria mesa de cozinha também.” Embora estranhos e difíceis de explicar, esses desafios também são a base de várias risadas, pois o humor é incorporado às interações entre Zara, sua mãe e Chris, que está sempre cheio de si.
Tudo em Família é inspirado em Comédias do Passado
Ao subverter as expectativas por meio de seu conceito central de uma mulher tentando impedir que sua mãe e chefe se apaixonem, o diretor Richard LaGravenese também encontrou inspiração para ‘Tudo em Família’ em outros filmes, especialmente comédias.
Ele disse: “Bem, meus filmes favoritos são os antigos, as comédias malucas dos anos trinta e quarenta, e muitos deles foram melhorados. Leo McCarey e Howard Hawks, e eu queria trazer essa vibração para ele. Joey e Zach entenderam imediatamente. Os dois se divertiram muito em suas cenas em que apenas improvisavam no roteiro e eram realmente muito, muito inteligentes nisso.”
Crédito da imagem: Tina Rowden/Netflix
Como resultado de sua premissa, os aspectos cômicos da narrativa são acentuados ainda mais através das brincadeiras entre Zara e Chris. Os dois não se entendem, especialmente no que diz respeito à mãe de Zara. Em vez de começar a gostar dele, a jovem protagonista tem que encarar a real perspectiva da felicidade de sua mãe e se sua interferência é boa no quadro geral, afinal. O conto fictício de ‘Tudo em Família’ mergulha nesses desafios complexos, mantendo sua pegada cômica, oferecendo uma perspectiva única sobre como as pessoas lidam com as decisões de seus entes queridos sem ter controle sobre eles.
