Início Site Página 168

Cobra Kai | As inspirações da vida real por trás do Sr. Miyagi

Existem apenas alguns personagens que se tornam tão conhecidos e reverenciados na cultura pop quanto o Sr. Miyagi. Ele apareceu pela primeira vez em ‘Karatê Kid‘, de 1984, que se tornou um marco no cinema e gerou várias sequências, spin-offs e uma série da Netflix, entre outras coisas. A importância do nome no universo de ‘Karate Kid’ é tanta que, mesmo quando ele nunca aparece em ‘Cobra Kai‘, da Netflix, ele continua sendo uma presença inabalável ao longo da história.

Seu nome é pronunciado em todos os episódios e, com Daniel LaRusso ensinando à futura geração o estilo de karatê de Miyagi, pessoas que nem o conheceram o reverenciam mais do que qualquer outra pessoa. Vendo o impacto que o Sr. Miyagi teve na franquia ‘Karatê Kid’ e a figura icônica em que ele se tornou, é natural se perguntar se há uma inspiração na vida real por trás dele.

O Sr. Miyagi é uma fusão de especialistas em karatê da vida real

‘Karatê Kid’ é uma história fictícia com personagens fictícios, mas tem raízes na realidade, com seu escritor Robert Mark Kamen citando elementos autobiográficos na história. Como Daniel LaRusso, Kamen foi perseguido por valentões quando estava na escola. Foi para lutar contra eles que ele decidiu fazer aulas de karatê, mas ele não teve aulas individuais como Daniel.

No início, Kamen se juntou a um dojo cujo sensei tinha uma forma agressiva que não combinava com Kamen (que mais tarde usou isso como inspiração para Cobra Kai e seu sensei, John Kreese). O escritor mais tarde encontrou um dojo diferente, que o ajudou muito e eventualmente serviu de modelo para o karatê que Daniel aprendeu com o Sr. Miyagi.

Este dojo era liderado por um sensei chamado Chojun Miyagi, cujo nome Kamen pegou emprestado ao escrever o icônico Sr. Miyagi nos filmes ‘Karatê Kid’. Chojun Miyagi é uma figura reverenciada no karatê e é conhecido por ser o fundador do Goju-Ryu, um estilo de karatê de Okinawa, que também é, não oficialmente, o que o Sr. Miyagi ensina a Daniel nos filmes. No entanto, ele não foi o único do dojo que teve um impacto em Kamen.

Ele também foi levado pelo Sensei Meitoku Yagi, que foi discípulo de Chojun Miyagi e eventualmente serviu como seu sucessor. Foi para ele que Kamen olhou ao esboçar o personagem do Sr. Miyagi para os filmes. Ele também pegou emprestado alguns elementos de sua vida para adicionar ao mentor de Daniel LaRusso, especialmente as partes como o tempo do Sr. Miyagi nos campos de concentração após o ataque a Pearl Harbor e seu serviço no exército americano.

O dublê do Sr. Miyagi também influenciou o personagem icônico

O ator Pat Morita foi imortalizado com sua interpretação do Sr. Miyagi nos filmes ‘Karate Kid’. Ele até recebeu uma indicação ao Oscar por seu papel no filme original. No entanto, por interpretar o personagem de um mestre de karatê, Morita não era realmente um especialista em artes marciais na vida real. Todas as suas acrobacias foram realizadas por um dublê, e Fumio Demura foi quem desempenhou esse papel na maioria dos filmes.

Curiosamente, Demura também foi considerado para o papel do Sr. Miyagi, mas como ele não era muito versado em inglês, ele acreditava que seria difícil para ele chegar ao cerne do personagem. Então, Morita assumiu os holofotes enquanto Demura o dublou nas cenas de ação.

Demura é um ícone por si só e trabalhou com vários grandes nomes de Hollywood, o mais notável deles é Bruce Lee. Ele também foi uma das pessoas que tiveram uma influência significativa na interpretação de Morita do Sr. Miyagi. Alegadamente, Morita, que desenvolveu uma amizade para toda a vida com ele, conheceu Demura durante um de seus torneios e baseou muitas das características do Sr. Miyagi nele, a mais notável das quais é o sotaque do personagem.

Na vida real, Morita, tendo sido criado na América, não tinha sotaque. No entanto, dada a história do Sr. Miyagi, os cineastas acreditavam que ele devia ter uma maneira diferente de falar. Alegadamente, Morita baseou seu sotaque em Demura.

Demura, que morreu em 2023 aos 84 anos, foi fundamental na formação do caráter do Sr. Miyagi, especialmente seu estilo de luta, que Demura informou com seu próprio conhecimento do estilo Kobudō de Okinawa. Apesar de permanecer nos bastidores na maior parte do tempo, ele havia forjado uma reputação para si mesmo. Em 2015, um documentário chamado ‘The Real Miyagi’ foi lançado, focando na história de Demura, seu estilo de luta e sua parte na criação de ‘Karatê Kid’.

LEIA TAMBÉM:

Publicidade

Mark Hamill será a voz do “O Holandês Voador” no próximo filme do Bob Esponja

Nickelodeon levou os fãs à Fenda do Biquíni para comemorar o 25º aniversário do Bob Esponja Calça-Quadrada durante o painel exclusivo na San Diego Comic-Con.

Aparecendo pela primeira vez no Hall H, estiveram os dubladores internacionais da animação Tom Kenny (Bob Esponja Calça Quadrada), Bill Fagerbakke (Patrick), Carolyn Lawrence (Sandy), Rodger Bumpass (Lula Molusco), Clancy Brown (Sr. Siriguejo) e Sr. Lawrence (Plankton), junto com os produtores executivos Marc Ceccarelli e Vincent Waller. Esses nomes deram início aos quatro dias da Comic-Con com o melhor painel de todos os tempos: “Celebrando os 25 anos de Bob Esponja na Nickelodeon”.

Moderado por Ed (Kel Mitchell), de Good Burger, entre os momentos mais incríveis do painel estão:

  • A aparição surpresa do lendário ator Mark Hamill (Star Wars) para anunciar seu papel como “O Holandês Voador” no quarto filme da Paramount Pictures, THE SPONGEBOB MOVIE: SEARCH FOR SQUAREPANTS. No longa produzido pela Nickelodeon Animation, Hamill dará voz ao “Holandês Voador”, um pirata fantasma mal-humorado e engraçado que não quer nada mais do que quebrar sua maldição de 500 anos e retornar à superfície.
  • O trailer exclusivo do próximo filme, “A Missão de Sandy Bochechas”, que estará disponível a partir do dia 02 de agosto na Netflix. No trailer, a missão de Sandy e Bob Esponja para salvar os habitantes da Fenda do Biquíni se transforma em uma perseguição policial, enquanto a família Sandy (dublados originalmente por Craig Robinson, Johnny Knoxville e Gray DeLisle) os leva em uma perseguição de carro em alta velocidade.

Confira o trailer abaixo:

  • O teaser first look do especial de uma hora do Bob Esponja, “Kreepaway Kamp”, mostrando personagens favoritos dos fãs indo para uma reunião no Kamp Koral, incluindo Bob Esponja, Patrick, Sandy, Sr. Sirigueijo, Sra. Puff e outros. Em “Kreepaway Kamp”, enquanto estava no Kamp Koral para uma reunião, Bob Esponja e seus amigos são perseguidos por uma figura misteriosa que se esconde nas sombras enquanto os campistas começam a desaparecer um por um. O especial chegará em breve na Nickelodeon e no Paramount+.
  • O elenco de dubladores internacionais, Tom Kenny (Bob Esponja Calça Quadrada), Bill Fagerbakke (Patrick), Rodger Bumpass (Lula Molusco), Clancy Brown (Sr. Sirigueijo) realizaram uma leitura ao vivo do roteiro do icônico primeiro episódio de Bob Esponja Calça-Quadrada de 1999, “Help Wanted”, no qual Bob Esponja tenta conseguir um emprego como cozinheiro no restaurante “Siri Cascudo”.
  • Carolyn Lawrence (Sandy Bochechas) e o Sr. Lawrence (Plankton) recriaram ao vivo o momento “Planktodefesa”, na qual Sandy ensina a Plankton tudo sobre karatê e autodefesa.

Sobre Bob Esponja

Desde o seu lançamento, no dia 17 de julho de 1999, Bob Esponja Calça-Quadrada reinou como a série animada mais assistida por 22 anos consecutivos, gerando um universo de personagens amados, bordões e memes da cultura pop, lançamentos teatrais, produtos de consumo, um musical da Broadway vencedor do prêmio Tony e uma base global de fãs.

Bob Esponja Calça-Quadrada é uma das propriedades mais amplamente distribuídas na história da Paramount Global, vista em mais de 180 mercados, traduzida em mais de 30 idiomas e com uma média de mais de 90 milhões de espectadores a cada trimestre. Bob Esponja Calça-Quadrada foi criado por Stephen Hillenburg e produzido pela Nickelodeon em Burbank, Califórnia. O desenho narra as aventuras náuticas e, às vezes, absurdas de Bob Esponja, um otimista incurável e uma esponja-do-mar sincera, e seus amigos submarinos.

Wendell Bezerra, dublador brasileiro, interpreta Bob Esponja Calça-Quadrada, no Brasil, desde o lançamento e se tornou, junto com o personagem, um ícone para todos os fãs da série.

Através da Nickelodeon, Paramount+ e Pluto TV, a Paramount é a casa oficial da variedade de conteúdos que Bob e seus personagens nos oferecem todos os dias. Na Pluto TV, você pode conferir o canal dedicado exclusivamente à animação, de forma gratuita, 24 horas por dia. 

Se você ainda não é assinante do Paramount +, pode assinar clicando aqui.

LEIA TAMBÉM:


Aproveite para nos acompanhar nas redes sociais: Facebook, Twitter, Instagram, Youtube e também no Google News

Quer receber notícias direto no seu celular? Entre para o nosso grupo no WhatsApp ou no canal do Telegram.

Publicidade

Crítica | ‘O Exorcismo’ acaba se perdendo em todo seu potencial

Filmes envolvendo exorcistas não são novidade. E, por incrível que pareça, filmes envolvendo Russell Crowe como uma figura de exorcismo também não são novidade. Ao tentar revisitar o gênero de terror sobrenatural com um toque contemporâneo, O Exorcismo acaba se perdendo em uma execução mediana. Embora tenha elementos interessantes e um elenco talentoso, o filme não consegue se destacar entre outras produções do gênero.

A história de O Exorcismo gira em torno de Anthony, um ator famoso interpretado por Russell Crowe, que começa a trabalhar em um filme sobre exorcismo. Durante as filmagens, ele passa a acreditar que está sendo perseguido por uma entidade demoníaca, confundindo a linha entre realidade e ficção. À medida que os eventos se desenrolam, Anthony precisa enfrentar seus demônios internos para salvar sua sanidade e aqueles ao seu redor.

Os acertos e erros de O Exorcismo

A trama de O Exorcismo tenta criar uma narrativa que mistura elementos psicológicos e sobrenaturais, mas falha em manter o suspense de maneira consistente.

A premissa de um ator sendo possuído por um demônio durante a produção de um filme de terror é intrigante, mas o desenvolvimento é previsível e carece de originalidade. O filme peca em explorar os temas de possessão e medo, optando por clichês do gênero que não trazem frescor à narrativa. Isso fica ainda mais gritante quando o roteiro coloca um personagem traumatizado com temas muito pesados fazendo com que a parte psicológica do filme se destaque mais que a sobrenatural, mesmo sendo praticamente abandonada da metade em diante do filme.

A direção de Mark Pellington, embora competente em alguns aspectos técnicos, como a criação de uma atmosfera sombria e a escolha de cenários, não consegue imprimir uma identidade marcante ao filme. A direção parece indecisa, ora tentando assustar o público com sustos repentinos, ora explorando o lado psicológico do protagonista. Essa falta de foco resulta em uma experiência que oscila entre o assustador e o entediante.

Russell Crowe entrega uma performance sólida, como esperado de um ator com sua carreira. Ele consegue transmitir a complexidade do personagem Anthony, um homem que luta contra a paranoia e o medo de estar perdendo o controle de sua vida. No entanto, mesmo com seu talento, Crowe não é capaz de elevar o filme além de suas limitações, em parte devido ao roteiro fraco e à direção inconsistente.

Apesar de seus defeitos, O Exorcismo tem alguns pontos positivos. A cinematografia é eficaz em criar uma atmosfera inquietante, e a trilha sonora complementa bem as cenas de tensão. Além disso, a premissa inicial e a ideia de explorar a fragilidade da mente humana diante do sobrenatural são intrigantes e poderiam ter sido melhor desenvolvidas.

Veredito

O Exorcismo é um filme que, apesar de ter um elenco talentoso e uma premissa interessante, não consegue se destacar no gênero de terror. É uma obra que pode agradar a fãs de filmes de exorcismo que buscam uma experiência ligeiramente diferente, mas não oferece muito além do que já foi explorado em produções anteriores. Para aqueles que apreciam o gênero, pode ser uma escolha aceitável para uma noite de filmes, mas não deve ser considerado uma obra imperdível.

Nota: 5/10

Clique aqui e compre seu ingresso para o filme

LEIA TAMBÉM:

Publicidade

Crítica | Deadpool & Wolverine – Homenagem insana e hilária ao fim da Era Fox

Assistir a uma produção da Marvel Studios tem se tornado cada vez mais desagradável. Embora o estúdio seja mestre em planejar universos interconectados, seus filmes têm perdido identidade e profundidade a cada nova ideia que surge de Kevin Feige. Os cenários, por exemplo, muitas vezes parecem absurdamente artificiais e mal elaborados, mesmo com orçamentos exorbitantes. O aguardado Deadpool & Wolverine não é uma exceção a regra, mas sabe brincar com ela.

Após a aquisição da Fox pela Disney em 2019, havia muita especulação sobre como o Mercenário Tagarela se encaixaria no infanto-juvenil MCU, com seus filmes mais leves em relação à violência e palavrões. O resultado é exatamente o esperado: a franquia permanece intensamente violenta e, felizmente, com a total liberdade criativa do brilhante Ryan Reynolds e sua mente implacável em rir de tudo que existe na cultura pop.

Agora na Linha do Tempo Sagrada, Deadpool tem a missão de resgatar um Wolverine para uma aventura bizarra pelo multiverso no Lixão de descarte do cinema e, assim como a fase atual do estúdio, o filme é irregular, com altos e baixos, mas é indiscutivelmente a melhor produção que a Marvel ousou explorar no conceito de multiverso.

Mais do que um simples terceiro filme de um herói amplamente aceito pelo público, o longa consegue ser uma homenagem divertida ao fim da Era Fox. O projeto oferece um desfecho leve, mas significativo, para os super-heróis que marcaram a história antes do gênero se tornar o fenômeno que é hoje.

Os acertos e erros de Deadpool & Wolverine

De certa forma, criar um filme que quebra a quarta parede para resgatar, brincar e se despedir de um estúdio é um feito criativamente genial. No entanto, essa ideia quase ofusca o protagonista como o verdadeiro destaque do filme. Além disso, o longa enfrenta o desafio de reintroduzir Wolverine em um universo muito mais dinâmico, sem desrespeitar o legado de seu fim em Logan (2017).

Essa não é uma tarefa simples, mas o roteiro de Deadpool & Wolverine reconhece a complexidade narrativa envolvida, mesmo que a história seja simplificada e a trama quase inexistente, como era de se esperar. O objetivo agora é inserir Deadpool no mundo dos Vingadores, e, nesse cenário, o herói questiona sua integridade e a sua capacidade de se encaixar em um time de celebridades.

O resultado é melhor do que o esperado, oferecendo uma homenagem afetuosa aos heróis que não eram interconectados, enquanto mantém o mesmo nível impiedoso de violência que caracteriza a franquia.

Somos imediatamente atraídos pela química inigualável da dupla, pelo carisma irresistível de Ryan Reynolds e pela expressão carrancuda de Hugh Jackman, que claramente está se divertindo mais do que em qualquer outra versão do Carcaju nos cinemas.

No entanto, o que realmente torna o projeto especial é a maneira como eles abordam o passado com carinho. Embora o resultado pudesse ter sido desastroso, o filme sugere um futuro promissor para o MCU, que tem se mostrado inchado e sem foco desde Ultimato.

Apesar de apresentar as melhores piadas da franquia e um senso de humor perversamente afiado, a maneira como aborda o conceito de multiverso é a mais divertida até agora. Afinal, se há uma agência dedicada a corrigir problemas no tempo, certamente existe um lugar para descartar todas essas questões. Para nossa surpresa, até a Fox está lá, junto com a maioria dos super-heróis e vilões dos anos 90 e 2000.

Dentro dessa premissa, Deadpool precisa encontrar um Wolverine — a âncora de seu universo — para substituí-lo e, assim, salvar seu próprio universo. Claro, essa jornada os leva a explorar o repositório cinematográfico da Disney, resultando em uma verdadeira tempestade de aparições e easter eggs que causam mais impacto do que um filme com jump scares. É tanta auto-referência que chega dar dor de cabeça.

A vilã desta vez, a enfadonha unidimensional Cassandra Nova, interpretada por Emma Corrin, a irmã gemea de Charles Xavier, acaba sendo mais do mesmo e não deixa impacto algum na trama. Sua participação não contribui em nada para o desenvolvimento da história. É apenas mais um antagonista fraco na longa lista de vilões da Marvel.

Definitivamente, este não é um filme para crianças, e a inclusão do nome da Disney é uma mudança ousada que já estava mais do que na hora de acontecer. A linguagem irreverente de Deadpool e sua violência gráfica espetacular trazem ao MCU uma dose extra de audácia e sabor, afastando-se da certeza de que nada tem impacto.

O risco de trazer Hugh Jackman de volta após Logan ser um ponto alto do cinema de heróis era altíssimo, mas o filme demonstra que ainda há muitas histórias a serem exploradas e que Wolverine, independentemente dos recomeços futuros, merece ser honrado – e nem mesmo Kevin Feige pode mudar isso.

A solução apresentada é convincente nas mãos criativas de Shawn Levy (Free Guy), que a torna coerente e eficaz. O diretor, além de ter uma boa sintonia com o elenco, compreende que o verdadeiro atrativo desse projeto está no texto ácido e em como ele é traduzido para as imagens, mesmo que envolto em exageros.

A química entre os astros é uma conquista rara. O filme não é um confronto direto entre eles, mas sim um espetáculo contínuo de destruição mútua, xingamentos e ataques, tudo em nome do entretenimento. É um casamento imperfeito ao som de Madonna e clássicos dos anos 2000.

Veredito

Entre ser um concurso barato de cosplay e um parque de diversões temático da falecida Fox, Deadpool & Wolverine é, de fato, o auge do multiverso no cinema — para o bem e para o mal. A diversão e a autorreferência ofuscam os problemas da trama e a produção extremamente precária dos cenários econômicos. Com seu senso de humor irreverente e uma ação profundamente violenta e brutal, Deadpool está melhor do que nunca dentro do MCU.

E é basicamente isso que temos: um filme repleto de participações especiais chocantes, ambientado no lixão de descarte da Disney onde, sem exagero, tudo parece possível. Trata-se de uma verdadeira farofa cinematográfica que oferece surtos, gritos e uma dose generosa de nostalgia. O material autorreferencial é imprevisível e incisivo como deve ser.

É corajoso ver como o roteiro não hesita em tocar em aspectos que podem desafiar a integridade do MCU ou mesmo irritar os fãs. Deadpool parece um twitter de uniforme e sua acidez e ousadia faz deste o projeto mais perigosamente delicioso do gênero. Longe de ser o messias da Marvel, mas também longe de ser tão ruim quanto seus fracassos recentes. Finalmente o MCU tem uma comédia absurda e genuína que realmente faz a nossa barriga doer de tanto rir. Obrigado, Ryan Reynolds.

NOTA: 7/10

Clique aqui e compre seu ingresso para o filme

LEIA TAMBÉM:

Publicidade

The Boys | Neuman está morta? Qual era o verdadeiro plano da Mana Sábia? Entenda o final da 4ª temporada

A quarta temporada de ‘The Boys‘ do Prime Video traz alguns choques enormes, mudando completamente o jogo para as próximas temporadas. O episódio começa com a tão aguardada corrida presidencial chegando ao fim. Ainda assim, o resultado não é nada como esperado por ninguém, incluindo Capitão Pátria, que continua a perder o controle sobre tudo ao seu redor.

Em uma tentativa desesperada de virar a maré, ele desmascara Victoria Neuman por ser uma Supe e pretende usar isso para promover sua agenda, esperando que ela pelo menos cumpra o plano. Mas ele a subestima, e o que acontece a seguir é algo que ninguém esperava.

ALERTA DE SPOILERS!

A morte de Victoria Neuman é um ponto forte para Butcher

Considerada uma das Supes mais fortes vivas, matar Neuman estava no topo da agenda dos Boys. As coisas ficaram tão desesperadoras que eles a priorizaram ainda mais do que Capitão Pátria porque achavam que ela era a mais próxima da cadeira presidencial e poderia causar mais danos do que a maioria. Sua habilidade de matar alguém à distância e de ser quase imortal mesmo à queima-roupa mostrou que ela era tão, se não mais, difícil de matar quanto o Capitão Pátria. Mas então Butcher entra na equação.

Crédito da imagem: Jan Thijs/Prime Video

Na última temporada, ele usou o Composto V, o que reduziu sua expectativa de vida para alguns meses. Ele pensou que o Composto V poderia consertar as coisas para ele, mas isso só lhe deu um tumor carregado de V em seu cérebro, o que acabaria por matá-lo. ironicamente, também é a única coisa que pode mantê-lo vivo. Além disso, dá a ele o poder de lutar contra Supes e matá-los.

Ele já havia matado Ezekiel antes, mas isso era uma presa fácil, mesmo para alguém sem poderes. Não é até Butcher rasgar Neuman que a extensão de seus poderes é realmente estabelecida. Isso o coloca perto do Capitão Pátria em termos de força porque ele é o único outro Supe que vimos rasgar alguém em dois.

Neuman sempre foi destinada a morrer, mas ela foi uma personagem complicada desde o começo. Ela oscila entre ser uma vilã e tentar fazer a coisa certa, e eventualmente, quando ela parece escolher o caminho certo, ela é assassinada. Se ela não tivesse vindo para os Boys, ela ainda teria morrido em algum lugar no futuro, provavelmente nas mãos do Capitão Pátria, que provavelmente teria que fazer exatamente o que Billy fez porque seu raio laser nem sequer deixa um arranhão nela. Além disso, a verdadeira natureza do plano da Mana Sábia confirma que ela sempre quis que Neuman fosse removida do campo de jogo.

Mana Sábia planejou a morte de Neuman o tempo todo

O superpoder da Mana Sábia é ser inteligente, e ela provou repetidamente que é melhor que todos. Ela leva em conta tudo, como Annie surtando em público ou os “The Boys” a seguindo para descobrir seu plano. Mas esses são seus inimigos.

A verdadeira força da Mana Sábia está em saber exatamente como as pessoas do seu lado reagirão a algo. Ela identificou com sucesso o Trem-Bala como o espião e o usou para fazer as engrenagens girarem contra o garoto. Ela também levou em conta as mudanças de humor e o ego de Capitão Pátria tomando o centro do palco, embora ele tenha prometido mantê-lo sob controle. Da mesma forma, ela contou com Victoria Neuman para ficar mole e tentar sabotar o plano deles.

Neuman era uma parte importante do plano porque ela tinha que ser feita presidente, ou assim todos pensavam. Mana Sábia sabia que não importava se um Supe ou uma pessoa normal se tornasse presidente. O que importava era que essa pessoa estivesse sob o polegar dela e do Capitão Pátria.

Então, embora fosse mais fácil com Neuman, eles não precisavam exatamente dela. Além disso, Mana Sábia sabia que Neuman não era totalmente má, apesar de sua sede de poder. Ela estava cheia de suas próprias ideias e queria se tornar presidente, não porque fosse uma Supe. Ela provavelmente teria seguido o mesmo caminho se fosse normal.

Mana Sábia poderia lidar com alguém que não tivesse suas próprias ideias, mas seria mais difícil lidar com Neuman, que pode não necessariamente concordar com o plano deles (é por isso que ninguém lhe contou sobre as prisões), e o pior é que ela era muito poderosa. Ela poderia matar Mana Sábia em um piscar de olhos, e apenas o Capitão Pátria poderia detê-la.

Crédito da imagem: Jan Thijs/Prime Video

Considerando tudo, Mana Sábia preferiu manter sua cabeça e seu poder, então fazia mais sentido para ela colocar um humano normal no assento do presidente enquanto ela desdobrava seus planos. Ela até se preparou para a possibilidade da morte de Neuman, embora ela não devesse ter certeza de como isso aconteceria. Se Billy não a tivesse matado, Mana Sábia provavelmente teria feito o Capitão Pátria fazer isso. Em qualquer caso, Neuman deveria morrer, e a Mana Sábia pretendia usar sua morte também.

O plano original era invocar a 25ª Emenda para tirar Singer do cargo ou assassiná-lo. Mas tudo isso teria funcionado contra eles mais do que eles gostariam. O que funcionaria melhor se Singer fosse incriminado e tirado do cargo por humanos? Ele precisava ser lavado de todo o apoio, então Mana Sábia o viu e o colocou em vídeo falando sobre o assassinato de Neuman. Felizmente, as coisas funcionaram exatamente como ela esperava, se não melhor, e no final, mesmo com alguns problemas, seu plano funcionou perfeitamente.

O Amazon Prime custa R$ 19,90 e além do serviço de streaming de vídeo, o assinante tem direito a Frete GRÁTIS em milhões de produtos elegíveis, 2 milhões de músicas no Amazon Music, centenas de eBooks e revistas no Prime Reading. Clique aqui para assinar  e aproveite os 30 dias grátis.

LEIA TAMBÉM: The Boys | Quem é Larry Kripke, homenageado na 4ª temporada? Como ele morreu?


Aproveite para nos acompanhar nas redes sociais: Facebook, Twitter, Instagram, Youtube e também no Google News

Quer receber notícias direto no seu celular? Entre para o nosso grupo no WhatsApp ou no canal do Telegram.

Publicidade

4ª temporada de Emily em Paris ganha trailer com muito estilo

A 4ª temporada de Emily em Paris acaba de ganhar trailer oficial, que mostram a continuação da história dramática e fashionista de Emily Cooper (Lily Collins). A parte 1, com cinco episódios, chega em 15 de agosto à Netflix, e a parte 2, também com cinco episódios, estreia em 12 de setembro.

Confira o trailer abaixo:

Sobre a 4ª temporada de Emily em Paris

Após os eventos dramáticos do casamento infeliz de Camille (Camille Razat) e Gabriel (Lucas Bravo), Emily fica perdida. Ela gosta de dois homens, mas Gabriel terá um filho com a ex e as desconfianças de Alfie (Lucien Laviscount) sobre ela e Gabriel são confirmadas. No trabalho, Sylvie (Philippine Leroy-Beaulieu) precisa enfrentar um dilema controverso do passado para tentar salvar seu casamento, já a Agência Grateau passa por uma reformulação da equipe.

Enquanto isso, ao se preparar para o Eurovision, Mindy (Ashley Park) e a banda precisam economizar. Trabalhando juntos para tentar conquistar uma estrela Michelin, a química de Emily e Gabriel se torna inquestionável, mas dois grandes segredos ameaçam colocar tudo a perder.

A parte 1, com cinco episódios, chega em 15 de agosto à Netflix, e a parte 2, também com cinco episódios, estreia em 12 de setembro.

LEIA TAMBÉM:

Publicidade

The Boys | Quem é Larry Kripke, homenageado na 4ª temporada? Como ele morreu?

The Boys‘ do Prime Video encerra o quarto capítulo de sua história sobre os vilões Supes e os vigilantes humanos normais com um final estrondoso. Ele prepara o terreno para a quinta e última temporada da série, que verá o conflito entre a Vought e os Boys terminar.

O final da quarta temporada coloca alguns pontos muito importantes da trama em movimento, o mais importante dos quais é o plano da Mana Sábia para os Supes assumirem o governo. A princípio, Victoria Neuman deveria fazer parte disso, mas algo muito pior acontece quando isso dá errado. O final não parece bom para ninguém na série. Há várias coisas notáveis ​​nos minutos finais do episódio, uma das quais é a homenagem a Larry Kripke.

Quem foi Larry Kripke? Como ele morreu

Larry Kripke foi o pai do criador e showrunner de ‘The Boys’, Eric Kripke. Ele morreu em 13 de fevereiro de 2024, aos 80 anos. Ele lutava contra a doença de Parkinson há anos e faleceu em paz com Joanie, sua esposa de 60 anos, ao seu lado. Ele deixa para trás seus três filhos, Matt, Dana, Eric e muitos netos. Descrito como o epítome da integridade, gentileza e cuidado, ele trabalhou duro para refletir essas visões até o último dia de sua vida.

Crédito da imagem: Kripke Enterprise Inc/Linkedin

Nascido em 20 de outubro de 1943, Larry Kripke cursou a escola de negócios na Universidade de Michigan. Em 1965, ele retornou à sua cidade natal em Toledo, Ohio, e se juntou ao negócio familiar de reciclagem de sucata. Sua jornada começou com a Sherwin Metal, que ele fundiu com a Tuschman Steel em 1976 e transformou na Kripke-Tuschman Industries.

Em 1983, ele supervisionou outra fusão com a OmniSource Corp, que transformou sua empresa em um dos maiores grupos de comércio de não ferrosos de Ohio. Ele expandiu as operações de não ferrosos e logo entrou em outras operações envolvendo operações de cobre e alumínio. Ele deu outra guinada em 1993, cofundando a Kripke Enterprises Inc. (KEI) com sua esposa.

A KEI está sob a liderança do filho de Larry, Matt, e gerou centenas de milhões de dólares em lucros com uma lista de funcionários cada vez maior. É reconhecida como “uma das mais notáveis ​​corretoras de sucata não ferrosa que atendem à indústria de processamento de sucata na América do Norte”.

De acordo com Matt Kripke, a intenção de seu pai ao estabelecer a fundação da KEI era sua relutância em trabalhar para grandes empresas e seu desejo de ser autossuficiente e sustentar sua família. Sua dedicação o levou pelos piores momentos, e ele fez da empresa o sucesso que é hoje.

Além da KEI, Larry Kripke também atuou como presidente do conselho da Federação Judaica de Toledo. Ele é descrito como um ávido jogador de golfe e um fervoroso torcedor de futebol e torce por Michigan. Acima de tudo, ele era um homem de família que amava passar tempo com seus filhos e netos.

Sua perda é sentida não apenas por sua família, mas também pelas pessoas com quem trabalhou, que o descrevem como um “visionário em [sua] indústria” e se lembram dele por sua “notável gentileza, valores inabaláveis ​​e espírito generoso” que ele mostrou a todos com quem cruzou seu caminho. O tributo no final da 4ª temporada de ‘The Boys’ é um aceno a Larry Kripke e a uma vida bem vivida.

Leia também: Vikings: Valhalla | Quem é James Flynn? Como ele morreu?


Aproveite para nos acompanhar nas redes sociais: Facebook, Twitter, Instagram, Youtube e também no Google News

Quer receber notícias direto no seu celular? Entre para o nosso grupo no WhatsApp ou no canal do Telegram.

Publicidade

5 motivos para assistir The Acolyte, nova série de Star Wars que chegou ao Disney+

Mae (Amandla Stenberg) in Lucasfilm's THE ACOLYTE, exclusively on Disney+. ©2024 Lucasfilm Ltd. & TM. All Rights Reserved.

Ambientada 100 anos antes dos acontecimentos de A Ameaça Fantasma (1999), STAR WARS: The Acolyte se passa na era da Alta República e mostra o período em que os Jedis estavam no auge do poder e no comando do universo. Todos os episódios da série já estão disponíveis exclusivamente no Disney+ e é uma ótima sugestão para quem curte bons thrillers de suspense.

Apesar de ser uma série original da Lucasfilm, a história é paralela às produções já lançadas da saga Star Wars. Então, se você não conhece o universo de George Lucas, mas gosta de um bom enredo de mistério, STAR WARS: The Acolyte é a pedida certa para você e o Disney+ comprova isso!

1- Início de tudo!

(Center): Master Sol (Lee Jung-jae) in Lucasfilm’s THE ACOLYTE, exclusively on Disney+. ©2024 Lucasfilm Ltd. & TM. All Rights Reserved.

STAR WARS: The Acolyte se passa antes de Episódio IV – Uma Nova Esperança (1977), primeiro filme lançado da saga STAR WARS. Sendo assim, muitos dos planetas conhecidos pelo público ainda nem foram descobertos. Na série, a República está em plena expansão, ampliando seu círculo de planetas e civilizações que estão sob sua proteção, e utiliza os Jedis para ajudar nessa missão.

2 – Explica mais a fundo a história dos Jedis

Jedi Master Indara (Carrie-Anne Moss) in Lucasfilm’s THE ACOLYTE, exclusively on Disney+. ©2024 Lucasfilm Ltd. & TM. All Rights Reserved.

Os Jedis são personagens clássicos que se tornaram conhecidos no mundo inteiro, mesmo para aqueles que nunca assistiram às produções de STAR WARS, e eles pontos chaves em STAR WARS: The Acolyte.

Na série, os Jedis estão no auge de seu império, ajudando a república a conhecer e juntar novos planetas dentro do seu círculo e fazer o policiamento da galáxia – sendo possível conhecer mais sobre a história desses mestres, principalmente após o período que as forças do mal entram em jogo na história, mostrando que existe muito mais por trás dos ataques e assassinatos do que a Ordem Jedi jamais poderia imaginar. Dessa forma, esses líderes são obrigados a entender de onde e como o lado sombrio está ganhando força.

3- Explica a referência de luz e sombra no universo STAR WARS

Scene from Lucasfilm’s THE ACOLYTE, exclusively on Disney+. ©2024 Lucasfilm Ltd. & TM. All Rights Reserved.

Em STAR WARS: The Acolyte, os Jedis estão no auge de seu poder, atuando como guardiões da paz e da justiça. No entanto, as partes sombrias começam a ganhar força, infiltrando-se por onde menos se espera. Alguns indivíduos se convertem ao lado sombrio por influência, enquanto outros se veem sem opções e são atraídos para esse caminho perigoso. A série explora essas tensões, mostrando como o equilíbrio entre a luz e a escuridão começa a se desestabilizar.

4 – Mostra como surgiu e o que motivou o lado sombrio da força

Amandla Stenberg in Lucasfilm’s THE ACOLYTE, exclusively on Disney+. ©2024 Lucasfilm Ltd. & TM. All Rights Reserved.

Com os Jedis no poder, o lado sombrio se infiltrou pelas bordas, conquistando silenciosamente seguidores tanto dentro quanto fora da República. À medida que expandiam sua influência, começaram a criar uma força oculta, operando nas sombras e passando despercebidos pela Alta República.

Esse movimento permitiu que o lado sombrio crescesse de forma rápida, corrompendo corações e mentes sem que os Jedis percebessem a verdadeira extensão da ameaça. A nova série mergulha nesse panorama de intriga e traição, revelando como a escuridão se espalhou e plantou as sementes para os conflitos futuros no universo de STAR WARS.

5 – Apresenta personagens nunca vistos em produções anteriores

Mae (Amandla Stenberg) in Lucasfilm’s THE ACOLYTE, exclusively on Disney+. ©2024 Lucasfilm Ltd. & TM. All Rights Reserved.

Em diversas entrevistas, a criadora de STAR WARS: The AcolyteLeslye Headland, revelou que entre os personagens já apresentados nas HQ’s, apenas a Jedi Vernestra Woh fez sua estreia em live action na série. Além dela, outros novos personagens são apresentados ao público, como o respeitado Mestre Jedi (Lee Jung-jae), a guerreira Mae (Amandla Stenberg), o ex-contrabandista Qimir (Manny Jacinto), entre muitos outros.

STAR WARS: The Acolyte já está disponível na íntegra exclusivamente no Disney+.

Se você ainda não é assinante do Disney+, pode assinar clicando aqui.

LEIA TAMBÉM:

Publicidade

3ª temporada de O Urso chegou ao Disney+; veja o que esperar dos novos episódios

“THE BEAR” — “Next” — Season 3, Episode 2 (Airs Thursday, June 27th) — Pictured: (l-r) Ebon Moss-Bachrach as Richard “Richie” Jerimovich, Ayo Edebiri as Sydney Adamu, Jeremy Allen White as Carmen “Carmy” Berzatto. CR: FX.

“Se não está perfeito, não sai”, essa é a diretriz dada por Carmen “Carmy” Berzatto (Jeremy Allen White) a sua protegida Sydney Adamu (Ayo Edebiri) na terceira temporada de O Urso, do FX, que é o mesmo princípio orientador seguido por Christopher Storer, criador e produtor executivo da série, desde que concebeu a série vencedora do Emmy®, Globo de Ouro® e do SAG-AFTRA Awards®.

O Urso, uma das séries de comédia mais populares e aclamadas pela crítica, retornou com sua nova temporada de 10 episódios ao Disney+.

Na terceira temporada, todos os olhos estão voltados para o elenco e a equipe de filmagem. Comentando sobre o início das filmagens dessa nova entrega, White diz: “Estávamos saindo do sucesso da temporada de premiações, então eu estava muito nervoso. Eu sabia que os roteiros eram muito bons… mas a pressão é real. Depois de algumas semanas com o elenco e a nossa bela equipe, todo voltou ao seu devido lugar”. “Parecia divertido de novo”, acrescenta White, “Parecia algo possível novamente”.

Nesta temporada, Carmy, Sydney, Richard “Richie” Jerimovich (Ebon Moss-Bachrach), e sua leal equipe querem elevar o “The Bear”, a pequena lanchonete que se tornou em um restaurante requintando, ao mais alto nível. Claro que é algo mais fácil de falar do que de fazer, e à medida que a temperatura e a pressão aumentam, é provável que as tensões também aumentem.

Neste âmbito, e levando em consideração o último colapso nervoso de Carmy, White diz: “acho que Carmy faz o que sempre faz: ele se joga no trabalho e tenta se desafiar. Ao fazer isso, ele também desafia todos ao seu redor e se torna alguém difícil de suportar”.

Assim, para motivar a si mesmo e a sua equipe, Carmy cria uma lista “inegociáveis” que os incentiva a “ultrapassar os limites do possível” e a “evoluir constantemente por meio da criatividade”, entre outras coisas. A lista de pontos inegociáveis do elenco foi mais fácil de implementar que a de seus personagens, diz Edebiri com uma risada: “Tratem bem uns aos outros. Decorem as falas. Venham preparados. Mantenham-se hidratados”.

“THE BEAR” — “Tomorrow” — Season 3, Episode 1 (Airs Thursday, June 27th) — Pictured: Ayo Edebiri as Sydney Adamu. CR: FX.

Também na terceira temporada, Carmy oferece a Sydney um acordo para serem parceiros e continuaram extraindo o melhor um do outro, mas, desta vez, como iguais. “Uma das coisas que você verá nesta temporada é o que isso significa para Sydney e o que esse passo significa para sua relação com Carmy”, diz Edebiri. “Carmy é alguém que ela admira, mas é muito mais caótico do que talvez ela tenha idealizado, antes de começarem a trabalhar juntos”.

White reconhece: “Carmy não é muito comunicativo, e de repente ele faz um grande gesto como esse… Acho que é a maneira dele se conectar com os outros. Mas, muitas vezes, as pessoas não estão preparadas para receber esse grande gesto. Ele sempre tem várias coisas em mente e as pessoas geralmente não percebem o que está acontecendo. Vocês verão como isso afeta a relação de Carmen e Syd”.

Carmy, Sydney, Richie e o resto da equipe do “The Bear” – que inclui Natalie “Sugar” Berzatto (Abby Elliott), Marcus Brooks (Lionel Boyce), Tina Marrero (Liza Colón-Zayas) e Neil Fak (Matty Matheson e produtor executivo) – terão uma série de diferentes oportunidades e enfrentarão novos desafios durante a terceira temporada.

Por trás de tudo isso há a dor, que sempre foi “um dos principais fios condutores da série”, diz Edebiri. “Ao mesmo tempo, talvez seja um dos pontos mais forte de O Urso, comenta Moss-Bachrach. “A dor é o rio que atravessa todos nós. Talvez seja uma das coisas que todos compartilhamos sobre a experiência humana. E isso segue na terceira temporada. Cada um lida com isso, ou não, à sua maneira”.

“THE BEAR” — “Tomorrow” — Season 3, Episode 1 (Airs Thursday, June 27th) — Pictured: Ebon Moss-Bachrach as Richard “Richie” Jerimovich. CR: FX.

Embora as coisas possam ficar difíceis na tela, isso nunca acontece nos bastidores.“Nosso local de trabalho é seguro e acolhedor”, diz Moss-Bachrach. “Quando você se sente apoiado e cuidado dessa forma, sente, também, que tem o direto de ir mais fundo, de compartilhar coisas mais pessoais e correr riscos. Todos no set foram empoderados e têm autonomia. Todos sentem que têm o direito de dizer o que sentem, de colaborar, de contribuir”, acrescenta.  

As temporadas 1 e 2 completas também podem ser assistidas no Disney+, na nova seção do Star.

Se você ainda não é assinante do Disney+, pode assinar clicando aqui.

LEIA TAMBÉM: O Urso | Temas retratados na série que merecem atenção


Aproveite para nos acompanhar nas redes sociais: Facebook, Twitter, Instagram, Youtube e também no Google News

Quer receber notícias direto no seu celular? Entre para o nosso grupo no WhatsApp ou no canal do Telegram.

Publicidade

Vikings: Valhalla | Quem é James Flynn? Como ele morreu?

Em ‘Vikings: Valhalla‘ da Netflix, o público testemunha uma jornada emocionante e aventureira de três guerreiros vikings — Freydis, Leif e Harald. Ambientado nos anos finais da Era Viking, a série começa com os três protagonistas convergindo em Kattegat, movidos por seus próprios desejos. Alguns buscam vingança e justiça, enquanto outros buscam a coroa e a glória. Apesar das diferenças entre eles, eles são atraídos um pelo outro, e suas vidas se tornam emaranhadas de modo que eles nunca podem ser verdadeiramente separados.

Ao longo de três temporadas, vemos Freydis, Leif e Harald em inúmeras aventuras, às vezes juntos e às vezes sozinhos. A série dá vida às suas histórias em uma exibição magnífica de representação precisa do período de tempo. É preciso muito para reunir todos os elementos e criar um show de tal magnitude, o que é uma prova da dedicação das pessoas que trabalham nos bastidores. O primeiro episódio da temporada final da série presta homenagem a James Flynn, que fez seu nome ao deixar uma marca indelével na indústria cinematográfica e televisiva.

Como James Flynn morreu?

James Flynn morreu em 11 de fevereiro de 2023, aos 57 anos. Ele foi diagnosticado com câncer em dezembro de 2022 e lutou contra a doença com “coragem, dignidade, positividade e discrição até o fim”. Ele deixou Juanita Wilson, sua parceira na vida e na profissão, e seus dois filhos, Alex e Anna, que disseram que Flynn abordou a doença como “algo que ele poderia abaixar a cabeça e resolver, assim como tudo o mais em sua vida com zelo e positividade” e “lutou como o inferno até o fim”. Sua perda reverbera como uma grande perda na comunidade cinematográfica irlandesa.

Flynn atuou como produtor executivo em ‘Vikings: Valhalla’, depois de desempenhar o mesmo papel em seu antecessor, ‘Vikings’. O produtor é creditado por apoiar produções de TV como esta, incluindo, mas não se limitando a ‘The Tudors’ e ‘Penny Dreadful’, que ele trouxe para a Irlanda.

Ele também é conhecido por seu trabalho em filmes aclamados pela crítica como ‘Angela’s Ashes’, ‘Nora’ e ‘Calvary’ e ‘Os Banshees de Inisherin’ de Martin McDonagh. Em seus últimos anos como produtor, ele também foi vinculado a projetos como ‘O Último Duelo’ de Ridley Scott e ‘Desencantada’ da Disney.

Quem foi James Flynn?

Nascido em 21 de agosto de 1965, em Kilmacud, Dublin, James Flynn se formou em comércio pela University College Dublin. Ele foi empregado na Merlin Films, de propriedade de John Boorman, onde começou sua jornada na indústria cinematográfica. Em 1993, ele foi uma das primeiras pessoas nomeadas para o recém-rejuvenescido Irish Film Board, para o qual atuou como vice-presidente executivo. Ele tinha apenas trinta anos na época, mas assumiu seu trabalho com diligência incomparável.

Descrito como um “grande cinéfilo”, o amor de Flynn pelos filmes se refletiu em seu entusiasmo pelo trabalho, auxiliado por sua “adorável natureza aberta”, tornando fácil para ele se relacionar com qualquer pessoa.

Em 1997, ele foi cofundador da Metropolitan Film Productions com Juanita Wilson, com quem se casou no ano seguinte. Ao longo dos anos, sua produtora surgiu como uma das mais proeminentes da Irlanda e logo se expandiu para produções internacionais.

Em 2010, dois filmes, ‘The Door’ e ‘The Secret of Kells’, nos quais havia atuado como produtor nos bastidores, foram indicados ao Oscar. Ao longo dos anos, ele continuou apoiando filmes e programas de TV que ganhariam aclamação da crítica, ao mesmo tempo em que serviam como plataforma de lançamento para alguns dos atores irlandeses mais promissores.

Descrito como “absolutamente honrado em todas as suas negociações” por Neil Jordan, James Flynn é lembrado por ser uma força de apoio que “tinha prazer genuíno no sucesso de seus pares”. Sua contribuição para trazer grandes produções para a Irlanda e fazer do país uma escolha óbvia para cineastas acamparem enquanto fazem seus filmes não pode ser exagerada. Ele é legitimamente creditado como uma das forças importantes por trás da mudança do cenário de cinema e TV na Irlanda, e perdê-lo é um grande golpe para a indústria de cinema e TV.

LEIA TAMBÉM:

Publicidade